歐洲文藝復興時期復調合唱演唱中應注意的問題

摘要文藝復興時期是復調合唱的黃金時期，其間涌現出了一批優秀的作曲家，為后世留下了大量復調合唱的傳世精品。演唱文藝復興時期的作品不僅能夠幫助我們了解和掌握這一時期西方合唱音樂的特點，更有助于合唱團演唱水平和整體素質的提高。

關鍵詞文藝復興時期復調合唱作品聲部均衡風格

14世紀下半葉到17世紀初是歐洲資本主義關系在封建社會內部產生和發展的時期，是一個在文化進程中緊接過去并取得驚人成就的時期，這個時期被稱為文藝復興時期。文藝復興時期的復調合唱在西方合唱發展史中占有舉足輕重的地位，了解和演唱好這一時期的復調合唱作品對于提高一個合唱團演唱水平和整體素質是很有幫助的。

一、文藝復興時期合唱作品的特點

在這一時期，合唱作品的形態及內容仍處在中世紀宗教性向世俗性漸變的過程中，雖然宗教性的音樂作品仍占據著主導地位，但各種新生的元素如調式、節奏、對位法等已經開始大量涌現。

文藝復興時期的復調合唱主要由兩部分組成：圣歌和牧歌。圣歌包括“經文歌”、“彌撒曲”等宗教禮儀歌曲：牧歌則分為世俗牧歌和宗教牧歌。這個時期歐洲人的精神支柱是教會，教會音樂占主導地位，多數宗教合唱歌曲是在教堂里演唱的。但在民間，世俗音樂大量存在。牧歌在流傳上要廣泛得多。內容也要寬泛得多。那個時期的復調合唱作品多為多聲部無伴奏合唱，即使有伴奏也不過是用樂器來重復人聲聲部。

這一時期的合唱音樂作品概括起來其特征有以下幾點：一是宗教性是其表現的主要內容，這是其賴以生存的根本；--是人文主義精神開始萌芽，世俗性的民間音調開始融入主流音樂并影響著它的發展：三是調式開始由早期的教會調式轉向大小調式：四是復調音樂占據著主導地位，各聲部作用相同：五是音樂是非節拍的，不使用小節線，節奏完全依從于語言，以語言歌詞的語調和音節作為音樂發展的基本元素：六是作品中各聲部的模仿規律性很強，聲部交替出現：七是大量采用協和音程，非協和音程的使用受到嚴格限制，變化半音被避免使用：八是音樂的速度依歌詞情緒而定，總體上要保持平穩，漸慢漸弱等音樂處理在這時都不允許，音樂變化在各段落本身，用擴大音符時值來改變：九是在演唱時要避免情感的過于激動。尤其是演唱純宗教作品。

二、聲音的把握和聲部的均衡

文藝復興時期，在形式和技法上是復調發展的高峰，作品基本上是復調性的。復調合唱最基本的原則是：各聲部橫向發展，多線交織，縱向基本沒有聯系，而是追求各聲部自身的完整性，各聲部組成相關聯的線條，而每個聲部線條都要明確被聽到，并起到同等重要的作用。對位時要求每個聲部進入的“點”都要相當清楚，注意旋律的進行。

演唱文藝復興時期的復調合唱作品，對合唱隊各聲部之間的均衡提出了更高要求。合唱產生于教堂，服務于教會，但文藝復興時期的合唱隊中沒有女聲部，因為當時教規規定女子進入教堂不能發出聲音，女高音聲部由男童擔任。因為各聲部的地位同等重要，所以聲音要平衡，強弱對比準確，這就要求男低音不能下沉，音色要向男童靠攏：男高音用假聲，并控制演唱中聲音的強度。這樣就使得演唱中的音色、音量更容易達到一個平衡的狀態。

文藝復興復興時期合唱團編制是四到十六人，因為人少，聽眾的焦點會集中到每一個人身上，所以演唱者必須有表情，音色必須相近，這樣就形成了對演唱者聲音的特殊要求。當時的音樂家Zacloni在談如何歌唱時提到過以下幾點：要把音唱準：要放松的歌唱。用天然的自然嗓音歌唱：不要用灰暗的聲音唱，不要喊。由此可見，當時的合唱對聲音的要求是用真聲演唱，音色清透，聲音平穩、松弛、柔和。那個時期的圣歌要求聲音很輕，Sop不能有抖音，alto的部分都能用tenor高八度演唱，tenor也相當輕柔。通常是一個持續的音在進行，bass也不厚重，是有彈性、輕快、自由的，聲音頭腔共鳴多一些而胸腔共鳴少一些，輕輕應和即可。

在排練時，可以將作品輕聲高位練習。而這種輕聲訓練必須要有良好的氣息支持、良好的頭腔共鳴。且每個自得韻母必須絲毫不變的保持到本字的結尾，這種唱發有點像咬字清晰的半哼半唱。結合作品風格來看，文藝復興時期的彌撒曲和經文歌本質上還是非人格化的，不能深入戲劇性的處理，不能用波動的人生。世俗音樂和牧歌可以稍自由一些，但還應該保持一定程度的抑制。不能豪放。

三、加強聽覺訓練

由于文藝復興時期的合唱作品大部分是無伴奏合唱，所以這個時期的復調合唱作品的演唱對演唱者音準的要求是非常高的。不僅要對自己聲部旋律清楚明了。還要在演唱的同時顧及其他聲部的進行。為了在自己演唱的過程中與其他聲部密切配合，應該在唱好自己聲部的同時，了解并熟悉其他聲部，這樣才能在演唱過程中時刻注意其他聲部的進程。旋律橫向進行是否流暢，縱向進行是否和諧，這些都是訓練時要注意的，而要達到這些要求。進行嚴格的聽覺訓練是很必要的。

聽覺訓練對于一個合唱團來說至關重要，而聽覺訓練不僅僅要讓團員唱準音符，更重要的是要讓團員學會傾聽。聽自己的音準是否準確：聽自己的聲音是否與自己聲部其他人的聲音協調：聽自己的聲部是否與其他聲部協調等等。并且能夠及時根據聲部中不同性質的音程在音響上所具有的不同協和度和緊張度調整自己的歌唱狀態和聲音，使之符合音樂與聽覺上的需要。

四、節奏、速度與強弱的把握

文藝復興時期的合唱作品是沒有節拍的，節奏嚴謹，音樂按照歌詞的需要安排重音。每小結第一拍為重音的規律在這一時期幾乎不存在。雖然文藝復興后期的許多作品中已經出現小節線，那也是為了能讓演唱者更容易演唱整齊而已，與現在的小節線的意義是不同的。如果用今天的理解方式對待當時的作品，會損害聲部固有的流暢和節奏。

歌詞的情緒變化主導著文藝復興時期作品的速度。在演唱這一時期的宗教作品時，要求速度平穩，任何速度上的改變只能根據歌詞情緒的變化或者作品結構的變化而改變。段落之間速度的轉換必須根據歌詞處理的非常精致合理，以免損害作品的對稱。如果當歌詞的一個音節形成一個音型時，節奏必須加以克制，使歌唱線條固有的美顯示出來。也就是必須具有略微向前推進的感覺。

“漸慢漸弱”在這一時期的宗教作品中幾乎是不存在的，如需要，總是在音樂的各段落本身出現變化。比如用擴大音符時值的方法來取得這種簡慢的效果，所以演唱和排練時要避免“漸慢漸弱”的處理方式。那個時期的宗教作品必須處理得平穩流暢，上升和下降的線條在樂句中已有表達。經文歌、彌撒曲等題材應嚴格控制其速度和力度，不能有過于明顯的速度和力度變化，但世俗性題材的作品可根據其內容放寬限制。賦予其一定的自由。總的來說，避免速度和力度上的變化才是表達那個時期復調合唱作品的準則。

五、風格的把握

第一，多聲部合唱最早源自于歐洲中世紀的基督教會音樂，它產生于宗教同時為宗教的教義服務。教會為了控制人的精神，要求信徒的絕對虔誠，所以，教堂里的音樂是寧靜、平和、安詳的，不摻雜世俗的波動起伏。這就要求演唱者在演唱時要避免情感的過于激動和投入。尤其是演唱純宗教作品，要用一種虔誠的、非人格化的、客觀的、沒有任何戲劇色彩的方式，即直聲來演唱。教堂中的音樂不是感情的張揚，而是心靈的寄托，演唱中不是激情的奔放，而是仿佛在向人們傳達對神應有的理性的信念，是美的融合。因此，在演唱這個時期的宗教作品時要著重唱出音樂本身純粹的美和肅穆冷峻如同“圣音”般飄渺的意境。

第二，本時期多數合唱作品的演唱是在教堂里進行的，教堂的建筑結構造就了合唱音樂的演唱風格和方法。教堂的內部空間高、大、空，使得教堂中的聲音反射，聽起來更加寧靜遙遠。這就要求演唱者聲音要明亮，咬字要清晰。“共鳴”交給教堂建筑，而演唱者是不追求共鳴的，人聲本身的共鳴多了反會引起音樂的嘈雜、混亂，線條不清晰，不夠安靜。

第三，文藝復興時期是歐洲在音樂方面大交流的時期。雖然宗教音樂要求嚴謹，但在世俗音樂和牧歌的表現上可賦予一定自由。當時的作家們常常根據歌詞的意義。把作品表上各種表現手法，如：用跳音來表示歡樂，上行的樂句表示“天”，下行的樂句表示“地”，用增、減三度音程表示“憂愁”，非協和音程表示悲傷痛苦等。盡管如此。演唱這類作品是仍要照顧該時期的音樂特性，尤其在節奏上要保持嚴謹，力度的變化不能過分。

第四，在訓練過程中，讓合唱團員